【CCDF-14 華人紀錄片提案大會】得獎名單

Tom Jennings：動盪時代的紀錄片趨勢——CCDF-16 大師講堂 現場紀錄 當代紀錄片導演 Tom Jennings 於 CCDF 國際紀錄片論壇發表主題演講，以「動盪時代的紀錄片趨勢」為題，分享他多年在國際市場的觀察與實務經驗。由世界科學與紀實節目製作人大會總監 Paul Lewis 主持的這場對談，以「Perfect Storm（完美風暴）」開場，象徵紀錄片產業正遭遇前所未有的挑戰——財務不穩、全球局勢動盪、AI 技術威脅、企業併購與預算削減同時席捲而來。Paul Lewis 指出，這場「風暴」不僅考驗創作者，也迫使整個產業重新思考自身的方向。 Jennings 被譽為「當代最具說服力的故事講述者之一」，曾為多家國際頻道製作數百小時內容，橫跨歷史、科學與人物紀錄。他在演講中首先回顧個人職涯的起點——從新聞記者到紀錄片導演的轉折。年輕時，他任職報社，始終懷抱強烈的好奇心，笑稱自己「像個永遠五歲的小孩，總是不斷問『為什麼？』」。這份探問精神成為他踏入影像創作的基礎。 1990 年代末期，他在洛杉磯的新聞生涯進入瓶頸，偶然為 Discovery 頻道撰寫紀錄片腳本，從此展開全新旅程。他形容，那是紀錄片產業快速成長的年代，也讓他有機會走遍世界、訪問不同文化與人物，「那是我通往世界的門票」。Jennings 並未直接受過電影教育，而是在現場向攝影團隊學習拍攝、燈光與敘事邏輯，我常常請教技術人員「什麼是三點打燈法？」、「為什麼你需要景深？」，所以「我的電影學校就是現場。」   2004 年，他創立了自己的製作公司 1895 Films，取名自電影誕生的年份。二十多年來，公司專注於紀實內容與歷史題材，持續在市場變動中生存並成長。他坦言，在紀錄片這樣高淘汰率的行業中能維持運作，本身就是一種勝利。 Jennings 的代表作品包括《MLK: The Assassination Tapes》（2012），該片榮獲美國電視界最高榮譽皮博迪獎（Peabody Award）；《Challenger Disaster: Lost Tapes》（2016）獲得艾美獎（Emmy Award）；《阿波羅任務 Apollo: Missions to the Moon》（2019）則為國家地理頻道製作，贏得 Producers Guild of America Award（美國製片公會獎）。這些作品共同建立了他在紀實影片領域的聲譽。 談到跨文化題材，他回憶 2008 年在洛杉磯中美電影節首映的紀錄片《Out of Left Field: […]

在今年的 CCDF 國際紀錄片論壇中，曾任BBC Storyville委製編審、現為國際紀錄片監製 Mandy Chang 透過預錄影片，向來自亞洲各地的創作者分享她對產業現況的觀察、挑戰與可能性。Mandy 表示，自己在紀錄片行業中橫跨了委製與創作雙邊，因此對市場脈動有相當直接的理解。她以冷靜而清楚的語氣指出，全球紀錄片市場正處於明顯的收縮期，而收縮意味著多樣性的消失。主流平台的題材集中在她稱為「三個 C」的範圍——犯罪（Crime）、名人（Celebrity）與邪教（Cults），這使得獨立創作者在非主流題材中越來越難突圍。同時，平台在政治敏感或非英語語境的內容上愈發保守，這對亞洲創作者的挑戰尤為明顯。她也提到過去幾年間，由於投資者湧入造成的短暫泡沫如今已破裂，資金快速撤出，但創作者的數量卻持續上升，形成更加擁擠的市場環境。 Mandy 回顧近年的觀察，認為串流平台曾帶來的短暫繁榮如今已顯露其侷限。「老實說，我不認為串流會回到多元紀錄片敘事的時代— 如果那個『時代』真的存在過，那也只是幻覺。」她坦言，平台偶爾會買下紀錄片，多半是為衝擊獎季，真正主動委製獨立紀錄片的比例仍然極低。因此，創作者不能將希望全數寄託在平台身上，而應該理解自己的作品屬性，尋找真正合適的歸宿與觀眾。 儘管市場嚴峻，她依然強調全球還有許多積極支持紀錄片的空間。以 CPH:DOX（哥本哈根國際紀錄片影展）為例，影展每年放映超過 250 部作品，但能真正獲得市場進入點的比例相當有限，顯示產能遠超過渠道容量。至於院線發行，她語氣直白：「非常稀少，能做到的人不多，那代表你有真正獨特的作品。」 談及突破趨勢的案例時，Mandy 分享了幾部她認為尤其值得關注的作品。羅寶 Elizabeth Lo導演作品《以愛之名 Mistress Dispeller》以觀察式敘事深入中國「小三勸退師」的世界，特別罕見之處在於取得現場拍攝的許可，也因此獲得 Anonymous Content 與 Impact Partners 的資助，之後由 Oscilloscope 收購北美版權。《約會遊戲 The Dating Game》則融合個人視角與普世性議題，再次證明「愛與關係」是跨文化的語言，這也是全球觀眾與亞洲故事之間最自然的橋樑。以《約會遊戲The Dating Game》為例，，這部片以個人視角串連更宏觀的社會議題，Mandy鼓勵亞洲創作者多與在歐、美工作的亞裔導演、剪接師、製片人及攝影師建立連結—這些人對全球市場有深厚的理解。她說：「如果你能讓他們相信你的作品值得投入，他們能教你的，遠比你所想的還要多。」 她也提到來自歐洲的《Mr. Nobody against Putin》，以幽默和強烈人物魅力處理政治題材，從早期開發就得到公共電視台支持，目前正在角逐奧斯卡提名資格；導演原本並未拍過長片，顯示好作品仍然能夠突破限制。《The Stringer》揭開一張著名戰爭照片的真正作者是越南助理攝影者，也在國際之間獲得高度注意，並由 Netflix 收購。「世界仍然渴望亞洲故事，只要你拍得好。」她說。 即便產業轉型帶來不確定性，Mandy 認為新的路徑正在形成。例如《戰場日記 20 Days in Mariupol》擁有極高評價，卻沒有主流發行商接手，導演選擇自行巡演，反而贏得更廣泛的國際關注；這證明掌握自身發行權有時反而更有效。她也提到新興平台與替代型發行方式正逐漸浮現，雖然仍在初期，卻值得創作者多加留意。她提醒導演們：「說故事的渴望不會消失，只要故事深刻、誠實，它一定會找到觀眾。」 她鼓勵創作者積極申請各大實驗室與基金，包括 IDFA 的Bertha Fund、日舞影展的各項獎金，以及 Chicken & Egg、Catalyst、福特基金會、ARTE […]

以短片《Instruments of a Beating Heart》獲奧斯卡提名的日本紀錄片導演暨剪輯師 Ema Yamazaki，於 CCDF 大師講堂中分享其創作歷程，深入探討紀錄片如何作為一種「文化翻譯」的媒介。她以自己的紀錄長片《The Making of a Japanese》為核心案例，說明長期觀察式拍攝如何揭示深植於日常制度中的社會價值，特別是教育體系。 Ema Yamazaki 成長於大阪，父親為英國人，自幼在日本與西方文化之間生活。她形容自己「一生都在轉譯文化」，而這樣的生命經驗，最終成為她紀錄片創作的核心視角。19 歲赴紐約就讀 NYU 電影學院後，她並未一開始就立志拍攝紀錄片。然而很快地，她發現自己對於「真實世界的觀察」遠比虛構敘事更感興趣。紀錄片讓她得以透過自身視角，重新組織現實，進而產生意義。 她從剪接入行，曾師承 Sam Pollard、並近距離觀摩 Ken Burns 等紀錄片大師的工作方式。​​多年實務經驗讓她逐漸確立一個信念：剪接是紀錄片的核心敘事引擎。她形容，有些人擅長從零開始創造，有些人則擅長將既有素材推向最好的狀態，而她很早便知道自己屬於後者。 一部歷時十年的拍攝計畫 長期旅居海外的經驗，讓 Ema意識到，國際社會對日本的理解，多半停留在料理、工藝、流行文化或傳統意象上，卻鮮少關注真正塑造日本社會性格的內在制度。 在她看來，日本的教育體系正是一個關鍵入口。日本小學不僅傳授學科知識，更透過打掃教室、輪流分配午餐、集體儀式與團體活動，培養孩子對責任、合作與紀律的理解。回顧自身成長經驗，她認為，若要理解當代日本社會的優點與矛盾，教育體系是不可忽略的起點。 《The Making of a Japanese》始於 2014 年，從構想到完成，歷時近十年。Ema 前後拜訪約 30 所學校，才終於取得東京一所公立小學的拍攝許可，得以完整紀錄一整個學年。拍攝最大的挑戰在於「取得信任」。日本學校對外部拍攝極為謹慎，尤其在缺乏前例的情況下。最終，她藉由舉辦東京奧運的國際背景，將本片定位為面向世界的文化觀察，而非宣傳片，成功說服地方政府與教育單位。 製作上，她與 NHK 合作，由 NHK 提供一名攝影師與器材長期投入，這樣的製作模式，使長時間、沉浸式的拍攝得以實現。 全然觀察式的拍攝方法 拍攝橫跨一整個學年，Ema 實際進入校園約 150 個上課日，累積超過 700 小時素材。連同前期研究與後期整理，她估算自己在校園社群中共投入約 4,000 小時。 在拍攝期間，她每天在校園中行走約三萬步，反覆穿梭於走廊與教室之間，尋找那些稍縱即逝、卻足以揭示制度與情感的微小真實瞬間。拍攝團隊使用的是一台小巧、幾乎能被忽略的攝影機，刻意降低存在感，讓孩子與老師得以回到日常節奏之中。 聲音同樣是關鍵。教師桌上擺放的無線麥克風，如同御守般靜靜存在—不張揚，卻確保每一段細微對話與情緒都能被真實保留下來。即使在日本紀錄片環境中，這樣的收音方式並不常見，Ema […]